Greg Gorman: fotógrafo de celebridades que deja algo a la imaginación

Greg Gorman es un fotógrafo de celebridades y retratistas con numerosas imágenes icónicas en su haber. No “dispara a nada que no pueda responderle”.

Gorman no quiere revelarlo todo en sus fotografías.

“Cuando comencé a tomar fotografías”, dice Gorman, “solía colocar las luces justo encima de la cámara y todo parecía un sello postal intercambiable. Todo estaba iluminado. No quedaba nada a la imaginación.

“A veces miro una fotografía que me llama la atención o imágenes que tal vez no respondan todas las preguntas y me dejan con ganas de saber más. Entonces encuentro ese elemento intrigante, y eso es también lo que hago con muchas de mis fotografías que interactúan entre luces y sombras. Hay más misterio en las sombras que en las luces”.

A Gorman (nacido en 1949) nunca le ha impresionado el sistema de zonas de Ansel Adam, donde se definieron 11 zonas para representar la gradación de todos los diferentes valores tonales que se verían en una impresión en blanco y negro, siendo la zona 5 el gris medio y la zona 0 el gris medio. negro puro (sin detalle), y la zona 10 es blanco puro (sin detalle).

“Nunca me importó el sistema de zonas”, dice el maestro, “porque uso negro para encuadrar a mis sujetos, por lo que el sistema de zonas está listo para usar. El sistema de zonas no se aplica tanto a mis fotografías.

“Dije que no estoy buscando ese momento Kodak. Busco un cierto estilo, una cierta apariencia en mis fotografías que se vuelva inherente a mi trabajo y a lo que la gente ve en mis fotografías.

“[Del mismo modo] no juego con el Sistema de Zonas. Nunca me he apegado demasiado a las reglas ni a reglas y regulaciones específicas. Prácticamente voy por la garganta. Lo que quiero fotografiar en una persona, y lo veo, es resaltar las luces y atenuar las sombras. Entonces es un juego diferente para mí”.

Gorman siempre ha fotografiado personas: ni paisajes, ni productos, ni objetos.

“Hasta hace poco no fotografío nada que no pueda responderme. Mi último libro no trata sobre personas [Homage son fotografías de su colección de arte tribal africano tomadas durante el COVID-19 cuando no podía traer gente al estudio], pero todos mis libros [13 en total] han sido prácticamente sobre personas.

“Siempre disparé a la gente. Quiero decir, soy una persona sociable. Soy muy sociable y amo a la gente y la comunicación que continúa entre mis sujetos y yo y el desafío de entrar en sus cabezas para obtener la imagen correcta.

“Al trabajar en el negocio del cine, de vez en cuando te topas con algunos personajes difíciles, y romper esa psique y lograr que jueguen para tu equipo es un buen desafío. Es una de las razones por las que nunca me dediqué a la moda, donde le pagarían a la gente por hacer lo que les digo. Tengo que desafiar a las personas a las que estoy fotografiando para que entren en sus cabezas y consigan ese retrato conectado.

“Hay que ser psicólogo para ganarme la vida con lo que yo hago, no hay duda al respecto. Siempre comparto mi visión con las personas que fotografío frente a la cámara. Siempre les mostraba las polaroids o [más recientemente] las capturas digitales para que trabajemos juntos como equipo, y así piensan que estás jugando para su equipo.

“Si los estoy filmando para una película en la que los necesitan en el personaje, hablaré sobre el personaje porque siempre leo el guión de las películas en las que trabajé. Estaba bastante familiarizado con quiénes eran y el personaje de esa película, pero no me gusta hacer muchas direcciones complicadas, así que cuando estoy filmando, se trata más de inclinar la cabeza de esta manera, bajar la barbilla, gira hacia aquí.

“Si quiero que se relajen un poco, les cuento un chiste o algo así y generalmente se ríen a carcajadas, y esa nunca es la imagen. La imagen sonriente es cuando la gran sonrisa está apareciendo.

“[Con] Djimon Hounsou, lo hice gritar”, dice el fotógrafo y enólogo [bajo su propio sello, GKG Cellars, recibiendo altas puntuaciones del Wine Spectator]. “Esa foto era personal, no un trabajo comercial.

“Consigo lo que quiero a través del lenguaje corporal, la iluminación y las bromas constantes. Hablo durante todo el rodaje y no me excedo, pero hablaré hasta que lleguen a donde quiero. Y luego haré que no se muevan, que se queden quietos, y dispararé un poco.

“Siempre tengo música de fondo, por lo que el estudio no tiene un gran vacío. Depende del artista porque los artistas a los que fotografío suelen tener sus gustos específicos. Me gusta escuchar jazz de forma libre”.

Gorman considera que el rodaje digital es más apresurado que en la época del cine.

“Absolutamente, absolutamente, no hay ninguna duda al respecto”, enfatiza Gorman. “Y es que la gente sabe que lo digital no requiere tanto tiempo. La era digital es excelente para muchas personas e igual de destructiva porque una vez que surgió la escena digital, la gente supo que podían obtener las imágenes instantáneamente.

“Así que eso era una cosa, y la otra era que era muy difícil para muchos fotógrafos que se habían hecho famosos con su trabajo, Herb [Herb Ritts], Matthew [Matthew Rolston] y mucha gente. Llegó al punto en que los productores no querían gastar el dinero que les pedíamos y contrataron a Joe Schmoe, que podía hacer una imitación barata de Greg Gorman, y realmente no se preocupaban por eso. porque podrían arreglarlo en la publicación.

“Esos fotógrafos no tenían la personalidad, no tenían los medios para poder lidiar con el talento, pero a los estudios no les importaba porque estaban ahorrando dinero y la foto se parecía a la celebridad, así que eso era suficiente. , y podían arreglar fácilmente cualquier cosa que no estuviera bien en la postproducción en comparación con los viejos tiempos con la película, donde era mucho más difícil".

En la era digital, Gorman encontró que el flujo de trabajo era más rápido al no tener que cargar Polaroids en su Hasselblad ni realizar pruebas. En la era del cine, muchos fotógrafos comerciales que disparaban en formato mediano o grande tomaban una Polaroid para verificar la iluminación y el aspecto de la fotografía o para mostrársela al director de arte/cliente antes de exponerla en la película.

"Sí, definitivamente, eso es más rápido", dice. “No sé si siempre es mejor. Lo mejor es que si obtuviste una buena captura, lo hiciste genial porque obtuve una Polaroid excelente muchas veces y nunca pude igualarla [en la película después]. Me mataría intentando igualar [la expresión de] una gran Polaroid y me acercaría, pero nunca conseguiría la misma.

“Eso siempre fue una parte frustrante, pero además ves la captura en la parte posterior de la cámara, y es pequeña en comparación con una Polaroid, por lo que tampoco sabes si tienes tan buena imagen. detalle [sí, se puede ampliar, pero no conviene] de lo que se ve en la parte trasera de la cámara.

En la década de 2000, Gorman pasó a la fotografía digital.

“Creo que la primera cámara digital que tuve y, por supuesto, en aquellos días estaba buscando gente que quisiera regalarme una cámara, pero os sorprenderéis, era un [respaldo digital] de formato medio de Kodak. ”, dice Gorman.

“[Además, otra de las primeras] cámaras digitales que tenía era una Foveon, una computadora portátil con una lente Canon colocada en la parte frontal con un sistema de matriz de color diferente. Los archivos eran increíbles. Quiero decir, eran increíbles.

“Hablando de lo digital [temprano], era una Canon 1D, la primera cámara digital profesional de 35 mm que tuve, y disparé con todas sus cámaras. Eran cámaras fantásticas”.

Gorman también fue Canon Exploradores de la Luz, pero las cosas no salieron bien.

“[Estuve con ellos hasta] hace apenas unos años. Me enfadé muchísimo con ellos porque eran unas tonterías. Querían que filmara [con sus cámaras y también usara] sus impresoras y otras cosas. Les dije: 'Miren cuando estoy muerto y cultivando margaritas'. Soy un muy buen impresor, pero no prefiero que me conozcan como impresor.

“Tuvieron todas esas excelentes exhibiciones [fotográficas] por todas partes, como se llame PhotoPlus en Nueva York y todas las excelentes exhibiciones que tuvieron en San Francisco, esas maravillosas exhibiciones digitales cuando todos los nuevos productos estaban saliendo.

Tengo un número decente de seguidores en Instagram, pero no paso mi vida en las redes sociales, y ellos [Canon] querían los números, y recuerdo que una vez fui a PhotoPlus. Recuerdo estar sentado en algunas de esas galletas patrocinadas por Canon y recibir conferencias que fueron grandes números en Instagram. No tenían ni idea de lo que estaban hablando, y la gente del público les hacía preguntas que no podían responder.

“Pensé que esto era adonde iba a parar, pero tienen un cuarto de millón de seguidores, así que Canon va a poner sus huevos en esa canasta. Cuando comencé a hablar por ellos al principio, no sabía una mierda, lo que me ponía nervioso. Fui una de las primeras personas en hablar digital cuando apenas usaba una computadora y una cámara, y si alguien me hacía una pregunta cuya respuesta no sabía, simplemente decía: "No lo sé, pero no sé". Lo descubriré por ti. Pero no me abrí camino a través de las respuestas, que es donde se ha ido ahora”.

Gorman ha tenido muchas sesiones fotográficas memorables en sus más de 50 años de carrera.

"Creo que probablemente la primera vez que fotografié a David Bowie fue una gran experiencia", dice Gorman. “Y la primera vez que fotografié a Betty Davis y, por supuesto, honestamente en los primeros días a Leonardo DiCaprio, porque sabes que era genial, y terminamos teniendo una larga carrera juntos, lo cual fue genial.

“Me emocioné mucho cuando un amigo mío muy cercano que era publicista de David Bowie [la hermana del fotógrafo Bruce Weber, Barbara DeWitt, quien también le consiguió sesiones con Frank Zappa e Iggy Pop) me preguntó si me gustaría fotografiarlo y, por supuesto, Por supuesto, dije: 'Eso es increíble, me encantaría fotografiarlo', y resultó ser un gran tipo, divertido. A menudo lo invitaba a cenar a mi casa y a menudo salíamos. Era genial y era un personaje. Él vino a cenar una noche con la cara llena de maquillaje, y yo tenía una mesa bastante buena, Bette Midler y un montón de otras personalidades, y nadie dijo nada.

“Rodé parte de [mi primera sesión fotográfica con Bowie] en el pequeño estudio a la luz del día de Bruce Weber en el Flower District de Nueva York. [Había] luz del día y luces de estudio en la época en que se publicó su álbum, cómo se llamaba... Scary Monsters (y Super Creeps). Y pasé a fotografiar media docena de portadas de álbumes para él, portadas de sencillos y demás a lo largo de los años.

“La primera sesión de Leonardo DiCaprio fue en mi estudio en Los Ángeles en el 94. Estaba usando luces estroboscópicas en esa primera sesión con David [Bowie]. No pude permitirme luces HMI hasta más adelante en mi carrera. Eran un poco caros, pero finalmente compré un Arri 6K HMI, que todavía tengo en mi estudio. Recuerdo haber pagado 30.000 dólares por él con el lastre. Quiero decir, Dios mío, ya sabes, la bombilla costó $ 2500, fue un gasto importante y tuve que poner 220 voltios de energía para encender la luz.

“Acabo de disparar con ella el fin de semana pasado con James Balog, el fotógrafo, y es una luz tan hermosa. Tienes esa [luz] grande, y luego colocas una seda Sunbounce [en un soporte C frente a ella], tienes una luz increíblemente hermosa.

“Sí, hace mucho calor; Es una luz muy poco práctica. Hoy fotografío todo prácticamente con mis LED Rotolite, que me encantan. Disparé dos tercios con las luces LED y aproximadamente un tercio con la HMI.

“James es un tipo rudo y al aire libre, y yo quería eso. HMI le brinda una apariencia espectacular”.

El último libro de retratos de Gorman, It's Not About Me: A Retrospective, un libro de 400 páginas, fue publicado por teNeues en 2020.

"Se trata 100% de la persona frente a mi lente [y no de mí]", dice Gorman. “Creo que uno de los grandes problemas de muchos fotógrafos... creo que algunos fotógrafos invocan más su estilo personal en la imagen en lugar de centrarse en el individuo que están fotografiando.

“Es gracioso porque Elton John es un buen amigo mío y escribió algo [prólogo] para el libro sobre el hecho de que yo no tenía un estilo, lo cual me pareció bastante divertido. Realmente nunca lo confronté con eso, pero probablemente lo haré algún día de estos, ya que lo veo regularmente.

“Pensé, bueno, eso es interesante porque creo que tengo un estilo, pero entendí lo que decía porque es muy conocedor de la fotografía.

“Creo que lo que estaba diciendo es que trato de expresar la individualidad de la persona frente a mi lente sin estilizar demasiado como Annie Leibowitz... cuyas imágenes tienen más estilo, son más una declaración porque el entorno adquiere un aspecto bastante diferente. personificación en el marco de sus fotografías.

“Mientras que si miras la mayor parte de mi trabajo, es bastante simple, con fondos mínimos, generalmente fondos oscuros y ropa oscura. Definitivamente es una mirada diferente”.

A finales de la década de 1970, el estilo fotográfico de Gorman comenzó a evolucionar.

"Mi estilo empezó a cambiar en la época de mi sesión con Tom Waits", dice Gorman. “Honestamente, mucho de esto se lo debo a mi querido primer asistente David Jacobson. Estaba trabajando conmigo y mostrándome algunas cosas cuando comencé a quitar la luz del punto focal central de la cámara.

“Hice algunas fotos de Tom frente a un salón de tatuajes que terminaron siendo la portada de un álbum y se convirtieron en mi imagen más prolífica de Tom. Cuando comencé a quitar la luz del punto focal central de la cámara y a crear un rango más dinámico entre mis luces y mis sombras, comencé a encontrar mi voz como fotógrafo.

"Tuve varias oportunidades importantes al principio de mi carrera", dice Gorman. “Trabajar para la revista Interview fue una gran ventaja que me ayudó a dar a conocer mi nombre. Y lo mismo con la creación de una campaña que hice para laEyeworks, una campaña publicitaria exclusiva que sigo haciendo desde hace más de 40 años. Esas fueron dos cosas comerciales en términos de personas que creo que me pusieron en el mapa. Ciertamente, mi trabajo con David Bowie, pero también filmé las campañas cinematográficas [que comenzaron cuando Barbra Streisand llamó de la nada] a principios de los 80 para Tootsie, Big Chill y Scarface. Esos carteles de películas sin duda ayudaron a lanzar mi carrera.

Todo fotógrafo tiene que fotografiar trabajos comerciales en color, pero Gorman tenía una pasión personal por el blanco y negro.

“Siempre tenía que fotografiar en color para los encargos”, dice Gorman. “Pero para mi trabajo personal y mis libros, siempre he fotografiado en blanco y negro. Cuando todo estaba disponible, siempre fotografié Kodak Panatomic-X. Por eso, rodé una película de grano fino a 32 ISO durante la mayor parte de mi carrera.

“Siempre fotografié en color porque el color era parte de mi trabajo comercial. Trabajé en el negocio del cine y muy poco de eso era en blanco y negro. Lo mismo con mis desnudos. Realmente sólo podía usar los desnudos que filmaba cuando hacía publicidad para Europa porque Estados Unidos era demasiado hipócrita para usar un desnudo.

“Siempre he fotografiado en color junto con el blanco y negro, incluso si estaba haciendo un trabajo comercial, y si era un trabajo en color, normalmente a veces filmaba un par de rollos en blanco y negro.

A medida que mejoró la calidad digital, con mayores resoluciones de los sensores, las cámaras de 35 mm comenzaron a acercarse a las imágenes de películas de formato medio.

“Cuando nos adentramos en el ámbito digital, me gustó que las capturas digitales de 35 mm tuvieran la espontaneidad de una cámara de 35 mm con la calidad de una captura de formato medio. Ahora fotografío principalmente con una Sony a7R IV o V. Gran parte de mi trabajo personal lo fotografío con la Fujifilm GFX 100 y GFX 100S. Cuando fui al Medio Oriente para un crucero de 10 días en Egipto, llevé su nueva y pequeña Fujifilm X-H2, que me encanta porque la cámara tiene aproximadamente el mismo tamaño que una cámara de 35 mm, pero es un sensor APS-C, por lo que las lentes son bastante más pequeñas”.

Gorman no es partidario de las distancias focales más cortas en los objetivos.

“Como fotógrafo de retratos, uso lentes largos”, dice Gorman. “Quiero decir, no tanto, pero mi longitud de elección para toda mi carrera, si tuviera que elegir un lente que he usado casi exclusivamente con buena profundidad de campo, es un 70-200 mm. Acabo de adquirir el nuevo Sony FE 70-200mm f/2.8 GM II, que es un poco más liviano que la versión anterior. También tengo el objetivo ZEISS Batis 85mm f/1.8 para Sony, que me gusta. Nunca he sido un gran tipo, principalmente por lo que he hecho en mi carrera. También tengo el Sony FE 24-105 mm f/4 G, el Sony 85 mm y el Sony FE 100-400 mm f/4,5-5,6 GM. Con mi Fuji GFX, tengo excelentes números primos”.

A Gorman no le gusta disparar atado.

“Odio fotografiar atado”, dice el retratista. “Probablemente disparé atado media docena de veces en mi vida. ¿Por qué? Porque no quiero que ningún imbécil me diga cómo debería verse mi foto o qué quieren. Rompe el flujo y la continuidad de una sesión de fotos, lo que hace que sea extremadamente difícil mantener una buena relación con la persona frente a la lente. Simplemente me vuelve loco. Lo hice cuando tuve que hacerlo o si filmé en el extranjero y tuve que tener una conexión, y están mirando las fotos, pero es raro.

“Creo que hace que la persona se sienta cohibida. No conseguiría lo que busco. Él me daría lo que cree que quiero, y eso no es lo que quiero. Quiero que mis fotografías sean expresivas de mí, no lo que ellos creen que quiero. Si tienen una fuente secundaria a la que mirar, eso arruina lo que estoy buscando.

“Disparé muchas cámaras. Disparé una [cámara de película] Fuji 67 durante mucho tiempo y me gustó esa cámara. La única cámara de caja con la que fotografié fue la de doble lente; Creo que era una Yashica.

“Es posible que también hubiera tenido una versión Mamiya. Tuve un par de esas, pero sobre todo fotografié la Fuji 67 durante mucho tiempo, lo cual me gustó mucho. Y Hasselblad, evidentemente, desde hace mucho tiempo. Tuve un breve paso por el medio con Contax. Disparé con la cámara de formato medio Contax, pero no fue muy confiable.

Gorman comenzó a fotografiar en 1968 con película Kodak Tri-X en blanco y negro y se aferró a ella durante gran parte de su trabajo hasta la llegada de lo digital.

“Durante muchos, muchos años, fotografié Ektachrome 100 [en formato medio]”, dice Gorman. “Después me pasé a Fujifilm, al igual que Velvia y Provia, que me gustaban más.

“Compraba bloques de película porque filmaba mucho. Filmaba seis o siete días a la semana y, a veces, un par de veces al día, y viajaba entre Los Ángeles y Nueva York. Compraba bloques de película, 250 o lo que fueran esas cajas grandes que conseguías de Kodak, y luego hacía pruebas de película para bajar la filtración.

“Porque siempre me gustaron las películas cálidas y los lotes de películas variaban. Compraría cajas de esa película si tuviera un lote que me gustara. Usualmente usaba un paquete de filtros magenta 81A y 025 o algo así, a veces un magenta 81B y un 05 o lo que sea para obtener esos tonos de piel donde los quería.

“Las primeras luces que tuve fueron DynaLite y luego pasé a Comets, y todavía tengo mis Comets de los años 70 y 80 en mi estudio”, dice Gorman. “Todavía fotografío Comet, pero rara vez porque ya no hago tantas sesiones comerciales. También disparo con Briese.

Gorman, que ha sido influenciado por el trabajo de George Hurrell, Irving Penn, Richard Avedon y Helmut Newton, prefiere fotografiar con luces LED estos días.

“Me gusta usar Rotolights, [especialmente] los LED que producen en el AEOS 2 Pro y el nuevo Rotolight Titan X1, me encantan. Tengo el X1 y el X2, el pequeño y el grande.

“Para todos mis modificadores de luz, trabajo con Sunbounce. Utilizo sus sedas y uso todos sus reflectores.

“Me gustan las fuentes de luz de un solo punto y la luz aditiva y sustractiva. Quiero decir, usaré una sola luz y uno de los reflectores de Peter [Peter Geller es el inventor de Sunbounce], y eso es todo.

“Me gusta trabajar con una fuente de luz de un solo punto. Siempre empiezo con mis sujetos de cerca porque logro varias cosas si estoy encima de ellos. Primero, descubro lo que quiero resaltar en las luces y restarle importancia en las sombras, y dos, establezco un nivel de intimidad. Si empiezo a tomar una foto y estás al otro lado de la habitación, no te capto ni a ti ni a tu energía.

“Establezco una relación personal empezando de cerca. De esa manera, cuando retiro la cámara, tengo una mejor idea de qué ángulo quiero reproducir hacia arriba o hacia abajo, y no tengo que entrar y analizar una cara”.

Era el año 1968, y el joven Gorman, a los 18 años, tomó prestada la Pentax Honeywell de su amigo (probablemente una Spotmatic, que se introdujo en 1964) con montura de tornillo (antes de que introdujeran la montura K de bayoneta en 1975) para fotografiar un concierto de Jimi Hendrix en Ciudad de Kansas. Compró una entrada en la tercera fila y estaba cerca del escenario.

“Sin saber nada de fotografía, cine ni nada parecido, le pedí prestada una cámara a un querido amigo mío, Buzz Gher, que era uno de mis compañeros de caza y pesca y también un ávido fotógrafo en ese momento”, dice Gorman. “Me dijo que disparara Tri-X a 1/60 de segundo y f/5,6 y 'Probablemente obtendrás una fotografía'.

“Al día siguiente, fui a su casa y en su sótano tenía bandejas de 11×14 pulgadas instaladas con los productos químicos. Procesamos la película y cuando vi la primera impresión en una hoja de papel blanca, quedé enganchado.

“Fueron publicados, sí, ya sabes, en un pequeño periódico local... Quiero decir, no eran muy buenos, eran un poco débiles en el enfoque, y no sé si eso se debió a que fotografié demasiado lento. [velocidad de obturación] o fumar demasiada droga. En aquel entonces, en los años 60, todo el mundo era hippie con el pelo largo y todo eso…”

“Sólo tenía un objetivo de 50 mm [probablemente el Super-Takumar 50 mm f/1.4, una maravilla de óptica rápida a pesar de la estrecha garganta de la montura roscada M42], así que, lamentablemente, las fotografías no fueron tan sorprendentes, pero fue suficiente. para que me interese en convertirme en fotógrafo.

“Estaba en la universidad [Universidad de Kansas] en mi segundo semestre, creo, [estudiante de primer año] en Artes y Ciencias Liberales, y luego el único curso que ofrecían en fotografía era fotoperiodismo, así que cambié mi especialización a fotoperiodismo”.

Una de las primeras fotografías de celebridades de Gorman fue la de Alfred Hitchcock con una Minolta SR-T 101 [con “compensación de luz de contraste”, una de las primeras mediciones Matrix], la primera cámara que compró en la universidad.

“Estudié dos años en la Universidad de Kansas antes de transferirme a la Universidad del Sur de California en Los Ángeles para obtener un MFA en Cinematografía”, dice el famoso tirador. “En ese momento yo iba a la escuela de cine para terminar mi carrera, y teníamos una clase llamada Thursday Night at the Movies dirigida por el fallecido crítico de cine Arthur Knight y en cada clase, él traía a una estrella de cine o un productor o director para presentar su película.

"En una noche especial, trajo a Alfred Hitchcock para presentar Frenzy, y yo simplemente llevé mi cámara a clase y tomé algunas fotografías".

Lo digital nunca interesó realmente a Gorman al principio debido a la baja calidad.

"Siempre pensé que lo digital era una buena excusa para una mala fotografía", dice Gorman. “Y debido a que en aquellos días filmaba formato medio y Hasselblads, prácticamente abandoné los 35 mm en los primeros días cuando filmaba películas.

“A medida que apareció lo digital, siempre me encantaron las pequeñas cámaras de apuntar y disparar. Tenía cada una de ellas... pero nunca sentí que las cámaras digitales, las cámaras digitales de 35 mm, fueran de algún interés. Tenían tres megapíxeles y luego hasta cinco o seis megapíxeles. No había suficiente información para hacer una impresión.

“Ya no fotografío tanto con fines comerciales”, dice Gorman con un suspiro de alivio. “Hago un trabajo más personal. Tengo un par de sesiones de fotos personales próximas que no son de personas muy conocidas, pero sí de personas que me gusta fotografiar”.

¡Y todavía no se trata de él, como en un fatídico día de 1968 cuando tomó prestada su primera cámara y tomó una foto!

Sobre el Autor : Phil Mistry es fotógrafo y profesor y vive en Atlanta, GA. Comenzó una de las primeras clases de cámara digital en la ciudad de Nueva York en el Centro Internacional de Fotografía en los años 90. Fue director y docente de los Talleres Días Digitales de Sony/revista Popular Fotografía. Se puede llegar a él aquí.

Créditos de imagen: Todas las fotos Greg Gorman, cortesía de teNeues. Foto de encabezado Greg Gorman; Taller Mendo OCT 2014; Albión; CALIFORNIA. © 2014 TeevonTeePhoto